15ta Escucha - Grisey - Partiels

Grisey - Partiels

Nació en Junio de 1946 y falleció en Noviembre de 1998. Grisey fue uno de los compositores más importantes en la definición de la música espectral, junto con Murail, Dufourt (acuñador del término) y Levinas. No obstante la música espectral como tal se vino desarrollando desde mucho antes, encontrando sus orígenes quizá en Wagner, o inclusive en música muy anterior al desarrollo de la tonalidad misma. Estudió composición con Messiaen, Dutilleux, Xenakis y Ligeti, entre otros.

Junto con el compositor e intérprete Tristan Murail fundaron el Ensemble l’Itinéraire, que al igual que el Ensemble InterContemporain, se dedica a la música contemporánea, realizando varios estrenos y encargos de gran importancia. 

La presente pieza fue compuesta para el ya mencionado ensamble en el año 1976. En esta pieza se pone todo el énfasis en la nota que abre la pieza (Mi2), tocada específicamente por ese instrumento (un trombón). Pero el énfasis y el cómo del uso de aquella nota, está basada en un análisis preciso y minucioso de ese Mi2 tocado por el trombón. Así mismo, ese espectro obtenido del análisis es luego expresado a lo largo de la pieza, pero en distintas maneras, con una cierta evolución, así como también incorporando conceptos como el de la respiración (inhalar y exhalar) y el de la tensión y distensión.

Esta fue una pieza paradigmática ya que fue una de las primeras (si no la primera) en aplicar de tal manera el análisis espectral de una nota puntual y aplicarla como método compositivo a una pieza.

Links:

http://brahms.ircam.fr/gerard-grisey

https://genesis.revues.org/352

https://es.wikipedia.org/wiki/Espectralismo

https://en.wikipedia.org/wiki/G%C3%A9rard_Grisey

14ta Escucha - Boulez - Anthèmes 2

Boulez - Anthèmes 2

Pierre Boulez nació el 26 de marzo de 1925 y falleció el 5 de enero de 2016. Fue un compositor, director, pianista y teórico musical francés. Aunque es principalmente conocido en el mundo de la música contemporánea por sus composiciones usando el serialismo integral, también cumplió un rol clave en el desarrollo de la misma, tal como fue el desarrollo del IRCAM (Institut de Recherche et Coordination Acoustique/Musique - Instituto de Investigación y Coordinación Acústica / Musical), lugar por el cual muchos compositores de renombre pasarían, y el cual también sería clave para el desarrollo de la música espectral. Así mismo sucedió con el Ensemble InterContemporain, el cual fue y es de gran importancia para la interpretación de música contemporánea, así como también la creación dado que constantemente están haciendo encargos de nuevas composiciones.

Compuesta en 1997, está basada en la pieza Anthèmes, la cual fue compuesta por encargo de la competencia de violin Yehudi Menuhin (nombrada así en honor al famoso violinista) y dedicada al director de Universal Edition Alfred Schlee por su cumpleaños 90. Dicha pieza, Anthèmes, tiene una duración de 9 minutos, mientras que Anthèmes 2 dura poco más del doble. Así es que es posible apreciar cómo la pieza además de tomar el material de aquélla pieza, también lo extiende, además de agregarse una parte de electrónica en vivo al violín. Por lo cual la pieza en realidad debe ser interpretada por dos personas, una en el violín y la otra en la parte electrónica.

Lectura recomendada y links:
http://www.gedisa.com/ficha.aspx?cod=302310 http://www.allmusic.com/composition/anthemes-ii-for-violin-and-electronics-mc0002475877 http://www.universaledition.com/Pierre-Boulez/composers-and-works/composer/88

13ra Escucha - Haas - Concierto para Violín

Haas - Concierto para Violín

Georg Friedrich Haas nació en Graz, Austria, el 16 de Agosto de 1953. Es un compositor de música contemporánea que de alguna manera se mantiene al margen de las corrientes dominantes con un estilo propio que se puede catalogar como una fusión de estilos, siendo reconocible el uso de la micropolifonía, la microtonalidad, el espectralismo, la tonalidad, entre otros.

La pieza fue finalizada en 1998, por un encargo de la Österreichischer Rundfunk (Radiodifusión Austriaca) y estrenada ese mismo año por la orquesta de la radio, la RSO Wien (ORF Radio-Symphonie orchester Wien), dirigida por Heinrich Schiff, con Ernst Kovacic en el violín.

Esta es una pieza que, al igual que muchas de las últimas piezas de Haas (tales como ‘In Vain’), explora de manera amplia el uso de los armónicos del sonido, al igual que presenta una forma que va en constante devenir, sin un claro punto de llegada. Pareciera que lo único importante en esta música es el proceso, todo el tiempo la música se está transformando. Así mismo la estructura formal de la pieza se podría denominar como un espiral, “… jirones sónicos repetitivos que parecen estar buscando cautelosamente, tanteando y sintiendo, pero sin ir nunca a ningún lugar en particular, como la escalera sin fin en los dibujos de M. C. Escher.”

Links varios: 

http://www.universaledition.com/Georg-Friedrich-Haas/composers-and-works/composer/278/biography 

http://www.universaledition.com/Georg-Friedrich-Haas/composers-and-works/composer/278/aboutmusic

12da Escucha - Romitelli - Dead City Radio. I - Audiodrome

Romitelli - Dead City Radio. Audiodrome

Fausto Romitelli fue un compositor italiano. Nació en Gorizia, el 1 de Febrero de 1963 y falleció en Milán, el  27 de Junio de 2004. Fue uno de los compositores más notables de la segunda mitad del siglo XX, y sin dudas uno de los más prometedores de su generación, aunque lamentablemente su temprana muerte no permitió que su música se siguiera desarrollando. No obstante el legado de obras que dejó es de una calidad notable, demostrando un gran dominio musical en todos los parámetros, siendo su música de una gran flexibilidad, yendo desde música popular hasta una música nunca escuchada. 

Así, la presente obra, hace uso de algunas sonoridades que inevitablemente se asocian al ámbito popular, como lo son la guitarra eléctrica, sonidos de conexiones, sonidos ambientales, pero también uso de una amplia gama de sonidos que sólo son asociables a las músicas que se escucharon a partir de los años 90, donde la orquesta a veces pasa a ser un meta instrumento, sin duda un legado de los espectralistas franceses, con algunos de los cuales estudió. Pero la obra pone a estos dos universos, para muchos irreconciliables, en perfecta armonía, mostrando que están más cerca de lo que aparentan. 

Dead City Radio. I - Audiodrome, fue finalizada en el año 2003, siendo una de las últimas obras compuestas por Romitelli. Audriodrome es la primer parte de Dead City Radio, aunque, claro está, las demás partes nunca llegaron. La música comienza con cierta violencia, para luego dar paso a una música que poco a poco va transformándose, volviéndose cada menos menos reconocible y más interrumpida por ruidos, yendo del bullicio a la calma, hacia la soledad, presentando una similitud con el nombre de la pieza, presentando una radio sonando en una ciudad muerta.

El video de la interpretación que se presenta a continuación es la grabación de la primera ejecución de la obra, por la Orchestra Sinfonica Nazionale della Rai. 

Links varios:

http://brahms.ircam.fr/works/work/14257/

http://www.beethovenfm.cl/index2.php?option=com_content&do_pdf=1&id=2721

http://www.yolandasarmiento.com/el-siglo-xxi-fausto-romitelli/

11ra Escucha - Ligeti - Concierto para Violín

Ligeti - Concierto para Violín

György Ligeti fue un compositor de origen húngaro, nacido en Transilvania, Rumania, en el año 1923, y falleció en el 2006, en Viena, donde se había naturalizado. Sin duda un compositor icónico de la música clásica del siglo XX, incursionó también en la música popular, la música folclórica, autóctona, etc. También su música apareció en algunas películas de Kubrick, lo que le permitió reconocimiento más allá de los círculos clásicos. 

Aunque sin duda alguna Ligeti era un compositor de una gran habilidad técnica y una notable destreza artística, es innegable que en realidad su música siempre fue el resultado de haber escuchado a otros compositores, haber tomado la idea de estos y haberla refinado, tal vez algo parecido a lo que fue Stravinsky. Es decir, que era uno de esos compositores que podían tomar cualquier cosa y crear una obra de arte a partir de aquéllo. 

El Concierto para violín fue compuesto originalmente en 1990, siendo revisado dos veces, en la primera revisión se reemplazó el primer movimiento y se agregó dos movimientos más, y en la segunda revisión se re-orquestaron el tercer y el cuarto movimiento, siendo estrenada la última versión en el año 1993.

Esta obra de notable destreza técnica tanto a nivel compositivo, como a nivel instrumental, como reto para el violinista, es una composición notablemente espectralista, un movimiento del que Ligeti no había participado hasta la composición de la presente obra. Así lo que vemos en esta obra es que Ligeti hace uso de muchas técnicas que otros compositores desarrollaron y estaban usando en sus composiciones, pero aquí, Ligeti, crea una especie de síntesis de estilos, llegando a un estilo propio, pero donde también es posible percibir a los otros compositores. Entre estos otros en los cuales se inspiró, es posible distinguir a Scelsi, Gerard Grisey, Tristan Murail, Radulescu (escordatura espectral) y por supuesto, al mismo Ligeti, quien inconfundiblemente pone todos estos estilos en perfecta convivencia.

Links varios:

http://justin.ovh.org/docs/JustinLepany_Dissertation2005.pdf
http://fr.wikipedia.org/wiki/Musique_spectrale
http://www.oorgetuige.be/archive/2007/04/23/spectralisme-drempels-overschrijden-grenzen-vervagen.html
http://es.scribd.com/doc/39740236/Ligeti-Violin-Concerto

10ma Escucha - Francisco Guerrero - Sahara

Francisco Guerrero - Sahara

                    

Francisco "Paco" Guerrero fue un compositor español, nació el 7 de Julio de 1951 y falleció 19 de Octubre de 1997. Fue, si no el más, uno de los más importantes compositores de la segunda mitad del siglo XX, en España, y por qué no decir, del mundo.

Lamentablemente, debido a la corta vida del compositor no podremos saber hasta dónde se hubiera desarrollado su música que año a año era más y más increíble. El compositor aplicaba la matemática de manera amplia a su obra, aplicando leyes específicas de la lógica combinatoria, poniendo a la matemática al servicio de la música; habiendo usado principalmente la aplicación de fractales a sus composiciones del último período. El fractal es un objeto que tiene la característica de ser autosemejante a distintas escalas, es decir que los patrones de formación del mismo se repiten en  diferentes niveles. Así, ejemplos de fractales en la naturaleza son objetos como los cristales de nieve, las conchas de los caracoles, algunos árboles, frutas, etc. 

"Quiero desarrollar la música de la misma forma en que se desarrolla un árbol"

"La evolución de la Música y el desarrollo de la Ciencia a lo largo de la historia han tenido hasta nuestros días, a pesar de haberse dado de forma casi paralela, un fuerte lazo de unión: la aplicación de la técnica. Esta aplicación se extiende desde el perfeccionamiento gradual de los primeros instrumentos musicales utilizados por el hombre hasta el empleo de sofisticados equipos electrónicos en la actualidad.
Si bien esto ha repercutido favorablemente en el campo de la interpretación y en la difusión de la música; ha dejado en segundo plano otra relación, más abstracta pero también más estrecha y básica, que existe entre la Composición Musical y el Método Científico."

La obra que presentamos aquí, Sahara fue estrenada en el año 1991, en el "Festival de Música Contemporánea de Metz"

Una obra que muestra una línea definida, que va desde el sonido más simple, un unísono, hasta clústers altamente densos, con toda la orquesta en un fortissimo. Así mismo, comenzando en una sección media y llegando hasta los dos extremos de la orquesta, con los contrabajos contra los piccolos. Podemos denotar, inclusive de manera superficial, cómo se presenta esta cuestión "fractal", justamente viendo este desarrollo a nivel pieza, esta lógica de construcción, donde nada está fuera de lugar, nada aparece de la nada, sin embargo no estamos frente a una música minimalista, ni mucho menos. Resalta, también, cómo el compositor a partir de procedimientos matemáticos llega a crear una música tan emocionante, conmovedora y apasionante.

Links de interés:
Sobre Paco
Congreso Internacional de Matemáticas de Madrid
Fractales en la Naturaleza
Video sobre su música

9na Escucha - Brian Ferneyhough - La Chute d'Icare

Brian Ferneyhough - La Chute d'Icare

Brian Ferneyhough nació en Inglaterra en el año 1943, y es uno de los compositores más importantes actualmente, y el representante más significativo de la "hiper complejidad", o "nueva complejidad", una tendencia musical que por sobre todo se caracteriza por la complejidad que significa tanto su escritura como su toque, ya sea por la dificultad inherente, o porque representa innovaciones. Aunque, por lo general, la música de la nueva complejidad representa ciertas características como el atonalismo, o lo microtonal, estos no son característicos de esta música, es decir no hacen a su esencia, ya que como dicho antes, la esencia de esta reza en su complejidad.

Particularmente la música de Ferneyhough representa una complejidad que está lejana del entendimiento inmediato, ya sea mediante mirar la partitura, escuchar la pieza, o las dos cosas en simultáneo, y esto es algo que el compositor logra con un extremo control de lo que él busca como resultado sonoro, por lo que una partitura a primera instancia parecerá más un manchón negro que lo que estamos acostumbrados a ver. 

Pero más allá de esto, es interesante apreciar la similitud que hay, tal como señala Diego Fischerman, entre este tipo de música, extremadamente pensada y reglada, y entre otra música (como ser la de Penderecki) que es mucho más librada al azar, ya sea en más o menos parámetros.

La Chute d'Icare

Esta obra fue compuesta en el año 1988, por encargo de la Fundación Gulbenkian de Lisboa y está dedicada al clarinetista Armand Angster, para el 'Festival Musica' de Strasbourg, donde se estrenó en 1988, y está inspirada en el cuadro del pintor brabante Pieter Brueghel, "Paisaje con la Caída de Icarus" -

Así mismo está orquestada para clarinete solista (el cual representa al personaje, Icarus), Flauta, Oboe, Percusión, Piano, Violín, Cello y Contrabajo; Ferneyhough explicó que hay dos aspectos importantes en esta obra que son los cuales representan la imagen en la música, estos son:

1- La música inicial, a modo de obertura, que representa una suerte de autobiografía de la vida de Icarus.

2- Progresivamente la música se va descomponiendo, lo cual representa la caída de Icarus, lo cual llega al punto culmine con la cadenza del clarinete.

8va Escucha - Alois Hába - Sonata para Piano en Cuartos de Tono, Op. 62

Alois Hába - Sonata para Piano en Cuartos de Tono, Op. 62

Esta Sonata fue escrita en los años 1946-47. Compuesta en el sistema de cuartos de tono, responde a una tonalidad inventada por el autor, en términos de los acordes y las notas que se suceden, así como las resoluciones, entre otras cosas.

Tal como vimos en una de la escuchas anteriores, donde se presentó el cuarteto de cuerdas nº 11 en el sistema de sextos de tono, aquí también estamos frente a una obra formada por tres movimientos: 1 - Allegro agitato; 2 - Andante cantabile; 3 - Allegro risoluto. Y tal como ya dijimos responde a una tonalidad única inventada por el compositor, lo que nos permite (más allá de la cuestión de los 4tos de tono) escuchar algo único.

Por otro lado, no está demás decir que el mismo compositor diseñó los pianos en cuartos de tono, para poder tocar éste tipo de música. Estos pianos, tal como podemos apreciar en la imagen de más arriba (aunque ese es un armonío) tenían tres teclados encimados, cada uno a distancia de cuarto de tono, para poder de esta manera tener aún la facilidad de tocar un piano típico, pero a la vez con cuartos de tono. Tal vez no la mejor solución para un nuevo requerimiento, ya que lógicamente por el tipo de construcción tendrá sus limitaciones, pero a la hora de pensar en el intérprete y en la tradición sin duda la mejor opción fue construirlo de ésta manera.


1 - Allegro agitato:

2 - Andante cantabile

3 - Allegro risoluto

7ma escucha - Henri Dutilleux - Tout un Monde Lointain

Henri Dutilleux - Tout un Monde Lonitain

Henri Dutilleux nació en Francia el 22 de Enero del año 1916, es uno de los compositores franceses más importantes del siglo XX. Así mismo, es uno de los pocos que logró seguir, en cierta forma, con la línea impresionista de la calidad de Debussy y Ravel, entre otros.

Tout un Monde Lointain (Todo un mundo distante)

Este es el primer concierto para instrumento solista y orquesta propiamente dicho compuesto por el compositor, y está dedicado a Mtislav Rostropovich. Fue compuesto en el año 1970, y el título tiene origen en un poema de  Charles Baudelaire - La Chevelure. Y, claro está, la música responde a los versos, pero no en un sentido estricto, sino que recrea, en cierta forma, con la sonoridad el mismo mundo que existe en el poema de Baudelaire. 

El concierto está dividido en 5 movimientos, y respecto a cada uno de los mismos el compositor dijo lo siguiente:

1 - Enigme (enigma)

Con la siguiente cita del poema:

"... Et dans cette nature étrange et symbolique..." 

"...Y en esta extraña y simbólica naturaleza..."

Una especie de Cadenza e introducción por el solista marcada por acordes, o temas-acordes que sirven como motivo de transición a un momento de movimiento más cercano a un Scherzo. La orquesta está tratada de manera secionada, en un estilo puntillista.

2 - Regard (fijarse)

Con la siguiente cita del poema:

"...le poison qui découle

De les yeux, de les yeux verts,

Lacs où mon âme tremble et se voit à l'envers..."

"...el veneno que fluye

De tus ojos, de tus ojos verdes,

Lagos donde my alma tiembla y se ve dada vuelta..."

Primero un movimiento lento, una canción en caracter modal. La parte del Cello esta consistentemente en el registro alto. Orquesta: cuerdas, con algo de maderas y timbal.

3 - Houles (repentino)

Con la siguiente cita del poema:

"...Tu contiens, mer d'ébène, un éblouissant rêve

De voiles, de rameurs, de flames et de mats..."

"...Tu contienes, mar de ébano, un sueño deslumbrante

De velas, de romeros, de llamas y de mástiles..."

El motivo principal de esta sección esta prefigurado al final de la cadenza en Enigme.

4 - Moroirs (espejos)

Con la siguiente cita del poema:

"...Nos deux coeurs seront deux vastes flambeaux

Qui réfléchiront leurs doubles lumières

Dans nos deux esprits, ces miroirs jumeaux.”

"...Nuestros dos corazones serán antorchas enormes

Que reflejarán su doble luz

En nuestros dos espiritus, estos espejos gemelos."

Segundo movimiento lento. Una frase, modal en esencia, cada tanto interrumpida por silencios o por lentas pulsaciones de la percusión. Acordes "Espejados" son tocados por el arpa. Por momentos reaparece el motivo de Enigma en el contrapunto.

5 - Hymne (himno)

Con la siguiente cita del poema:

"...Garde les songes:

Les sages n'en pas d'aussi beaux que les fous!”

"...Sujetate a tus sueños:

Esos de los hombres sabios nunca fueron tan bellos como esos de los tontos!"

Un relativamente breve epilogo en el que materiales de los movimientos precedentes son combinados. La idea principoal de Enimga eventualmente domina. 

6ta escucha - Julián Carrillo - Preludio a Colón

Julián Carrillo - Preludio a Colón

Julián Carrillo fue un compositor mexicano, que nació el 28 de enero de 1875 y falleció 9 de septiembre de 1965, por sobre todo conocido por su trabajo sobre la microtonalidad, tanto teórico como práctico. La microtonalidad, le llegó por, podría decirse, un golpe de suerte, ya que en el año 1895, estando en una clase de acústica, escuchando a su profesor hablar de cómo el hecho de dividir una cuerda iba dando los armónicos de la misma hizo que nazca en él, el deseo de experimentar con su violín:

"Primero dividí la cuerda por la mitad de su longitud y se produjo el fenómeno que para mí era de milagro: oí la octava del sonido fundamental. Después proseguí dividiendo la longitud de la cuerda en tres y se produjo la quinta, en cuatro, y oí la cuarta, en cinco y resultó la tercera, hasta que llegué a la octava división; pero allí me detuve por que el grueso de mi dedo y el pequeño fragmento de la cuerda que quedaba me imposibilitaban para seguir.

Con el transcurso de los días crecía mi inquietud y me preguntaba: ¿Qué más hay? ¿Cómo seguir comprobando los sonidos producidos por divisiones más pequeñas de las cuerdas? Por fortuna pensé en la hoja de una navaja en su parte roma y busqué ayuda de mi condiscípulo Eucario González para que llevara el arco y empecé a dividir el intervalo de un tono que va de la nota Sol de la cuarta cuerda suelta del violín, hasta llegar a La y pude oír clara y distintamente dieciséis sonidos diferentes, es decir, los dieciseisavos de tono.

Este momento marcó mi destino. Todos los conocimientos que habría de adquirir a lo largo de mi vida los dedicaría al desarrollo de los múltiples y complejos problemas resultantes de mi experimento, con el cual se rompió el ciclo de los doce únicos sonidos conocidos hasta entonces, abriendo para la Música las puertas del infinito."

A éste descubrimiento Julián lo llamó Sonido 13. El nombre nace del primer sonido fuera de la serie típica de los 12, que él escuchó mientras experimentaba en su violín, además de romper con el límite de los 12 que tanta importancia tomaron.

En esta ocasión escucharemos una pieza del compositor titulada "Preludio a Colón", y con respecto a esto adhiero unas notas de un programa de concierto:

"Es la primera obra escrita en el nuevo sistema creado por el compositor. Dedicada al gran navegante, que descubriera América. En ella se quieren describir las impresiones de espanto, de asombro y alegría obtenidas que se experimentan al develar el misterio de un universo nuevo.

Un arpa de dieciseisavos de tono, una flauta de cuartos de tono y un cuarteto de cuerdas, crean la atmósfera sonora en la cual se desenvuelve la voz en delicados arabescos escritos en cuartos de tono.

La obra se estrenó el 15 de febrero de 1925 en México, en el primer concierto que hubo en el mundo, con esta nueva música y durante el cual se descubrieron las enormes posibilidades emocionales del arpa en dieciseisavos de tono. Meses más tarde se tocaron en Nueva York y Filadelfia, bajo la dirección de Leopoldo Stokowski, con enorme éxito, varias obras de Julián Carrillo, entre otras un Concertino para pequeño conjunto instrumental con acompañamiento de orquesta sinfónica.

El Preludio a Colón, fue dirigido personalmente por el autor, en la nueva sala de la UNESCO en París, en 1958, ante un entusiasta auditorio."

5ta escucha - George Rochberg - Imago Mundi

George Rochberg - Imago Mundi

George Rochberg fue un compositor estadounidense nacido en el año 1918, y falleció en el año 2005. Fue uno de los compositores más importantes de USA del siglo XX, su vida musical comenzó primero por incursionar en el serialismo, y luego, tras la muerte (en el año 1963) de su hijo, comenzó a sentir que ese lenguaje era insuficiente para expresar los sentimientos que él tenía, entonces se convirtió hacia un lenguaje que muchos clasificaron como neo-romántico.


Imago Mundi (Imagen del Mundo), compuesta en el año 1973, es una respuesta a la experiencia del compositor con la música tradicional de Japón. Es mucho más que una de esas tendencías eclecticas de "occidente se encuentra con oriente", que tanto se estilaron en el siglo 20, tal como todos esos muebles chinos en el lining de tu abuela. Lo que particularmente le fascinó a Rochberg de la música asiatica fue la diferencia en el tratamiento del tiempo: lo estático, sin la cualidad del desarrollo en la que los eventos se suceden uno tras el otro impredeciblemente y así dando la impresión de unidad muy distinta a la de la tradicional que se da en el desarrollo sinfónico. Si comparamos esta pieza con la Segunda Sinfonía del compositor podemos ver como la estructura de esta obra es mucho más suspensiva y a su vez llenadora de lo que podríamos esperar de una composición bien fundada según la tradición europea.

Fuente: David Hurwitz, ClassicsToday.com http://www.arkivmusic.com/classical/album.jsp?album_id=106390
Link para descargar el audio: http://h1.ripway.com/Rodrigus1/George Rochberg - Imago Mundi.mp3

4ta Escucha - Penderecki - Concierto para Cello Nº 1

Krzysztof Penderecki - Concierto para Cello y Orquesta Nº 1

Krzysztof Penderecki es un compositor de origen Polaco, nacido en el año 1933 en la ciudad de Debica. Es uno de los compositores más importantes del siglo XX, sobre todo por su composición "Treno para las victimas de Hiroshima (y Nagazaki)" la cual fue altamente revolucionaria, y luego junto con ésta, vinieron otras más, como la que se presenta hoy aquí. Mas luego Penderecki fue dejando de lado su estilo revolucionario, y fue cambiando hasta llegar a un estilo más parecido al post-romanticismo, recordándonos a compositores como Rachmaninoff o Shostakovich (en algunas de sus obras). En palabras del compositor mismo, en una entrevista realizada para Canal á por Pacho O'Donnell, el compositor dijo que su cambio de estilo en los últimos tiempos era debido a que ahora la música que el componía era música que sólo tenía como objetivo ser gustosa para él mismo, mientras que la música que anteriormente había compuesto sólo tenía el objetivo de ser revolucionaria.

El Concierto para Cello Nº 1 está compuesto en un sólo movimiento, y está basado en un concierto que Penderecki escribió para "Violino Grande" y Orquesta, en el 1967 por encargo del violinista polaco Bronislaw Eichenholz, quien había hecho construir este instrumento, el cual es una especie de viola, pero con 5 cuerdas, por lo que posee la extensión tanto del violín como de la viola. Esta versión fue estrenada en el 1ro de Julio de 1967. En realidad Penderecki pensó en el cello desde el momento en que comenzó a escribir el concierto, en Diciembre de 1966, pero no fue hasta el año 1971 en que comenzó a adaptar el concierto para cello, pensando en la técnica y la capacidad expresiva de su amigo Siegfried Palm. Quien también estreno otras obras para cello del compositor, Sonata para Cello y Orquesta (1964) y también Capriccio (1968).

La orquestación del concierto es algo atípica, lo que también hace a su bella sonoridad, por un lado es una orquesta desprovista de violas, lo cual fue hecho en primer lugar para dar más importancia al violino grande, y luego fue dejado así también en la versión para cello. Años más tarde del estreno (1972) Penderecki agregó a la orquestación un saxo baritono, acordión y guitarra eléctrica. También podemos notar que la obra posee otros intrumentos atípicos como ser un bajo eléctrico, una sierra (tocada con arco), etc.

El texto sobre el concierto fue publicado en la grabación por Arto Noras y publicada por elatus, y fue escrito por Jaakko Haapaniemi

Tercera escucha - Hába - Cuarteto de Cuerdas Nº 11, en el sistema de sextos de tono

Alois Hába - Cuarteto de Cuerdas Nº 11, en el sistema de sextos de tono

Alois Hába fue un compositor de origen checo (1893 - 1973), así como también un gran teórico musical. Es conocido junto a Carrillo como uno de los más importantes compositores de música microtonal, y así mismo podríamos decir que es casi como un padre de ésta música, ya que antes de él (y claro paralelamente de Carrillo[compositor mexicano de música microtonal]) no había existía aún esta corriente musical, sino sólo algunos adentramientos con compositores como Jacques Fromental Halévy (Francia 1799 - 1862) o John Foulds (Gran Bretaña 1880 – 1939).

Hába desde muy pequeño tenía oído absoluto, razón por la cual sus hermanos mayores, en pro de molestarlo, le cantaban intervalos extraños a los doce sonidos típicos de la escala cromática occidental, y Alois, al principio, en su violín los intentaba tocar, pero siempre tocaba el sonido de la escala cromática más cercano, y fue así que más tarde terminaría por diferenciar a estos sonidos, admitiendo la existencia de sonidos intermedios entre los ya “conocidos”.

El oído absoluto ayudó mucho a Hába en la concepción de los  sistemas que más tarde teorizaría, y publicaría en varios libros, siendo el más importante de éstos el que lleva el título de “Nuevo Tratado de Armonía, de los sistemas diatónico, cromático, de cuartos, de tercios, de sextos y de doceavos de tono.” Escrito en el año 1925, como una ampliación de su previo tratado sobre el sistema de cuartos de tono.

Este cuarteto está dividido en 3 movimientos, 1 - Allegro Energico, 2 - Andante Misterioso, y 3 - Allegro Agitato.

El sistema sobre el cual está compuesto este cuarteto de cuerdas, de sextos de tono, es un sistema que responde netamente a la idea del compositor sobre como organizar el materia que es derivado de una escala, la cual es extraída, o más bien inventada, partiendo de un material base, el cual es la octava dividida en 36 sonidos. 
Luego sobre ese material se diseña una regla de organización que determinará como funcionará, en tanto se refiere a la manera melódica con la que funcionará, sus giros melódicos, su armonía, etc. Alois Hába en su Nuevo Tratado de Armonía, explica detalladamente el funcionamiento de esta técnica compositiva, sobre la cual el basa sus composiciones, dando así una nueva visión a cualquier tipo de sistema sobre el cual se componga, y así manteniendo una tonalidad (no confundir con tonalidad en términos clásicos).


1 - Allegro Energico

2 - Andante Misterioso

3 - Allegro Agitato

Segunda escucha - Lutoslawski - Concierto para Orquesta

Witold Lutoslawski - Concierto para Orquesta

Witold Lutoslawski fue un compositor de origen polaco, nació el 25 de Enero de 1913 y falleció el 7 de Febrero de 1994. Fue uno de los compositores más importantes del siglo XX. Su estilo que tomó mucho de la música de Bartok y Schoenberg, principalmente, lo marca como único, ya que así como toma elementos de la música de los compositores ya nombrados, no los aplica de la misma manera, sino que los entiende desde su punto de vista, y los adapta a nuevos mundos sonoros, así como también, claro está, él tenía una visión propia de la música y forjó un estilo único, agregando también elementos nuevos (dirigirse al link sobre el nombre del compositor para saber más al respecto). Y dicho sea de paso, aunque muy probablemente escape al interés de la gran mayoría de lectores, este compositor es para mí, el más grande después de Bach.

Esta pieza fue escrita entre los años 1950 y 1954 en base a la iniciativa de Witold Rowicki, quien en ese entonces era director de la filarmónica de Varsovia. Está fuertemente compuesta sobre un sentimiento folclórico, y según muchos, representa el pico del estilo folclórico en la música de Lutoslawski. 

Algo distintivo del estilo que se nos presenta en éste concierto es que si bien hay melodías folclóricas, en muchos momentos se nos presentan con acompañamientos atonales, así mismo, vemos un elemento barroco, el cual es la forma a la que hace referencia el título de cada uno de los movimientos. 

Este concierto está dividido en tres movimientos: 1 - Intrada; 2 - Capriccio, Notturno e Arioso; y 3 - Passacaglia, Toccata e Corale.

El siguiente análisis es un extracto de "An investigation of Periodicity in Music, with reference to three twentieth-century compositions: Bartok's Music for Strings Percussion and Celesta, Lutoslawski's Concerto for Orchestra, and Ligeti's Chamber Concerto." de Mountain, Rosemary - Universidad de Victoria - Canadá:

1 - Intrada

El primer movimeinto, es una forma ABA. Las secciones A son fugados por lo general sin divisiones, con la excepción de varias entradas de las voces. Una figuración en los cornos es períodica, pero disonante con lo demás, mas no es una disonancia tan notable. La sección B comienza cuando alrededor de 1'25'' escuchamos una gran explosión que es donde decantó un largo crescendo. 

La sección B es mucho más compleja, y responde a una forma abcabca que se repite tres veces, pero cada vez con ciertos cambios y distinta duración. Contrastes entre las subsecciones de B, consisten en la densidad de los ataques de las notas, cambios en la duracción de los períodos, y los niveles de la disonancia rítmica.  Así mismo, la repetición de subsecciones enteras crea expectativas de estructuras paralelas, lo que permite al oyente anticipar conexiones. 

 2 - Capriccio, Notturno e Arioso

Este movimiento está en varias secciones, y tiene una forma AABA básica. Las dos secciones involucran varias capaz, pero las secciones A están mucho más segmentadas, mientras que B está unificada por la presencia de un tema melódico lento. Las secciones A involucran repetición de elementos a varios niveles, desde semi-corcheas hasta secciones largas. 

3 -  Passacaglia, Toccata e Corale

El comienzo de la passacaglia no presenta un contraste muy marcado con el final del movimiento anterior, tanto el regsitro como las dinámicas son iguales. El hecho de que la última nota del segundo movimiento, y la primera del tercero sean las dos en pizzicato de los contrabajos, indican que ésta falta de contraste es bastante deliberada. Por lo que la unión entre estos dos movimientos está creada por la falta de tensión, el tema de la passacaglia permanece en una desindad muy baja por las primeras ocho barras. La passacaglia claramente presenta un alto grado de actividad tanto en pequeña como en gran escala. Lo que finaliza en un nivel muy bajo de energía, tanto en densidad cronométrica como en las dinámicas.

La passacaglia está muy bien delineada, presentando el tema obstinato en los contrabajos en primer lugar y repitiéndolo constantemente, sólo variando su altura, yendo cada vez más hacia el registro agudo, y cambiando de instrumentos. Y las variaciones que se van dando sobre el obstinato son bastante alejadas del mismo, incluso por momentos se nos presentan secciones donde el tempo no parece coincidir, y hacia el final de ésta sección, el obstinato cada vez se hace más evidente, hasta que éste está en primer plano.

Luego se nos presenta la toccata que da comienzo con una gran explosión. Podemos notar que ésta sección es marcadamente diferente a la passacaglia, aquí ya la melodía toma otra dirección, y se nos evidencia la típica forma de las toccatas barrocas.

Para finalizar, el coral está presentado en contrapunto con otro tema lírico de movimiento rápido, que es acompañado por texturas complejas que se van incrementando. Debido a una estructura de la frase altamente redundante en cada uno de los dos temas, y a una relación medida entre los dos, las disonancias entre ellos parece bastante suave. Esta sección dura poco más de un minuto y medio en su primera exposición, la frase entera es repetida 3 veces, con una pequeña extensión agregada cada una de esas 3 veces. Aparece nuevamente hacia el final de la pieza, pero es presentado solo una vez, y en ésta presentación ya la extensión no es tan importante como antes, y el tema principal es acompañado por una textura mucho más compleja en lugar del tema secundario.

Link del texto de Rosemary Mountain:

http://www.ex-tempore.org/mtn/mtn.htm